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KISS MY GENDERS – AD MINOLITI

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Kiss My Genders
Ad Minoliti
Southbank Centre, Hayward Gallery
12.06.19 | 08.09.19

La instalación Playcentre (2019), de Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980), fue seleccionada para integrar Kiss My Genders, que reunió en la Hayward Gallery de Londres más de cien obras de treinta artistas internacionales producidas en los últimos cincuenta años, incluyendo algunas especialmente desarrolladas para esta ocasión. En diversos formatos y técnicas que van de la fotografía a la pintura, escultura, instalación y video, propone desafiar las concepciones tradicionales sobre el cuerpo y abrir nuevas posibilidades para pensar el género, la belleza y las representaciones de la forma humana, priorizando tanto en su enfoque como en su temática, una idea de multiplicidad. Artistas como Peter Hujar, Catherine Opie y Del LaGrace Volcano, por ejemplo, utilizan y subvierten la tradición del retrato fotográfico, mientras otros como Jes Fan presentan obras híbridas que hacen uso de materiales no convencionales, como testosterona farmacéutica, estrógeno y melanina. La exposición articula una serie de aproximaciones críticas a las categorías fijas, con obras que plantean la fluidez y las identidades no binarias y trans.

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Ad Minoliti, Playcentre, 2019, vista de instalación en Southbank Centre.
Ph: Pete Woodhead. Gentileza de Southbank Centre.

Hayward Gallery forma parte de uno de los complejos artísticos más grandes de Europa, el Southbank Centre. Situado al sur del Támesis, cuenta, entre otras instalaciones, con tres sedes para espectáculos. La obra de Ad Minoliti, junto a piezas de Joan Jett Blakk, Athi-Patra Ruga y un poema de Tarek Lakhrissi, extendió la muestra más allá del interior de la galería. Sus diseños abstractos se podían ver en los espacios exteriores: banderas flameando a lo largo del Royal Festival Hall, conos al viento, y sobre árboles, postes o cerca del escenario al aire libre, conforman una utopía “trans-humana […], un conjunto de personajes que resisten las definiciones binarias de género”, según define la información de prensa, que, desde su título, invita al juego y a la participación activa.

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Ad Minoliti, Playcentre, 2019, vista de instalación en Southbank Centre.
Ph: Pete Woodhead. Gentileza de Southbank Centre.

Si bien la muestra plantea, además, cuestiones de identidad nacional y cultural que abarcan el origen étnico y las creencias religiosas, el diario inglés The Guardian la definió como un “gender-fluid blockbuster”. Participaron también obras de Ajamu, Travis Alabanza, Amrou Al-Kadhi & Holly Falconer, Lyle Ashton Harris, Sadie Benning, Nayland Blake, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Flo Brooks, Luciano Castelli, Jimmy DeSana, Chitra Ganesh, Martine Gutierrez, Nicholas Hlobo, Juliana Huxtable, Zoe Leonard, Pierre Molinier, Kent Monkman, Zanele Muholi, Planningtorock, Christina Quarles, Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Hunter Reynolds, Tejal Shah, Victoria Sin y Jenkin van Zyl.

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Ad Minoliti, Playcentre, 2019, vista de instalación en Southbank Centre.
Ph: Pete Woodhead. Gentileza de Southbank Centre.

Contenido producido por arteBA. Memoria anual de arte argentino contemporáneo.

AFUERA – ARTE EN LA ESFERA PÚBLICA

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Afuera. Arte en la esfera pública
Majo Arrigoni, Elián Chali, Renato Custodio, Dolores de Argentina,
Hora French, Gabriel Orge, Pablo Peisino, Gerardo Repetto
Munar Arte
06.07.19 | 10.08.19

Con una propuesta que quiere “visibilizar trabajos que ponen en crisis determinados consensos sociales”, la galería cordobesa The White Lodge (TWL) reunió en Munar una selección de obras de su staff de artistas en torno a la lógica del arte en relación con el espacio público. Georgina Valdez, directora de TWL y curadora de la muestra, señala en su texto de presentación que “Afuera es un espacio de proyección que escapa a los límites dados e indica un movimiento de expansión de las fronteras hacia la experimentación”.

La muestra comienza antes de entrar: Dolores de Argentina (Córdoba, 1960) intervino la fachada del edificio al colocar un gran cartel de neón que cita del poema Everness, de Jorge Luis Borges, “Solo una cosa no hay. Es el olvido”, en letras blancas mayúsculas que brillan en la oscuridad. La pieza había sido exhibida en 2012 en el Parque de la Memoria. La exposición sigue en la Sala 1, El Pescadito, donde, Bestiario, reciente trabajo de la artista, imita el caótico tendido eléctrico característico de las ciudades y se centra en esas líneas como un sistema de cuerdas en diálogo con el paisaje urbano.

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Dolores de Argentina, SUCNHEEO, 2012, neón, cables.
Ph: Ph: Ignacio Iasparra

Gerardo Repetto (Villa Huidobro, 1976), por su parte, muestra Caballo, un video realizado a partir de la compra a un mantero de un caballo de plástico a baterías, el cual gira trotando alrededor de un poste atado con una cuerda. Para mostrar su funcionamiento, el mantero dispone el juguete sobre una tabla de madera que, de tanto andar, está marcada con sus huellas. La impronta es circular, regular y a la vez informe. Repetto, por su parte, realiza una serie de dibujos hechos con las huellas de las patas del caballo en diferentes soportes, en busca de la huella como desgaste del material. A través de la imagen del objeto industrializado, de bajo costo y de consumo masivo, el artista propone vincular el espacio exhibitivo con el entorno urbano.

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Gerardo Repetto, Caballo,2016, Video, duración 7 minutos.
Ph: Ignacio Iasparra

Pablo Peisino (Córdoba, 1975) toma sus recursos de la cultura popular y sus personajes, además de dar cuenta de lo que el curador Rodrigo Alonso denominó “una preferencia por las superficies usadas, gastadas, desechables”, a las que superpone sus habilidades de artista. En esta ocasión, en una frazada roída borda el texto “El arte es un combate, en el arte es necesario jugarse hasta la piel”. Sobre el piso, se dispersan también las partes de su Perro atropellado, una escultura blanda de 2008 realizada con los mismos materiales y apariencia de un juguete infantil.

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Pablo Peisino, Perro atropellado, 2008, escultura blanda.
Ph: Ignacio Iasparra

Hora French (Córdoba, 1982) presentó una edición especial de su Animalario, un libro que propone crear una Argentina nueva y fantástica, donde los sueños y la ciencia constituyen las fuerzas creativas de las que emerge una fauna única y dinámica en una época imprecisa previa a las arbitrarias fronteras políticas. El artista invita a explorar un mundo de animales ficticios que se rigen por las reglas de la ciencia en “tierras indómitas –describe– donde la ley del más adaptado es la que permanece. Una época en la historia del Planeta en la que la salvaje belleza de las criaturas convivía entre juegos amistosos y jugadas peligrosas”. En esta edición, el Animalario cuenta con 24 especies originarias de la Argentina y de otros países de Sudamérica.

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Hora French, Animalario, 2019, fotografía impresión fine art.
Ph: Ignacio Iasparra

Renato Custodio (San Pablo, 1981) exhibe una serie de fotografías en blanco y negro que parten del registro y superposición de imágenes abstractas de edificios brutalistas de la ciudad de San Pablo. El artista retrata los espacios donde el cemento forma parte del paisaje urbano, sobre todo lugares apropiados por skaters. El proceso para lograr estas imágenes es completamente analógico, desde las exposiciones múltiples sobre película de negativo hasta la ampliación y registro en papel.

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Renato Custodio, Sin título, 2017, fotografías analógicas sobre papel.
Ph: Ignacio Iasparra

El proyecto “Apareciendo”, de Gabriel Orge (Bell Ville, 1967), activa la memoria mediante acciones que toman como soporte al territorio y su vínculo con el pasado. Orge proyecta en distintos paisajes latinoamericanos retratos de personas que fueron desaparecidas por la represión ilegal. En Apareciendo a López en el río Ctalamochita, proyectó y luego procedió a fotografiar el retrato de Jorge Julio López, desaparecido en la Argentina democrática (año 2006), realizado por la fotógrafa Helen Zout. En Apareciendo a los prisioneros de Calama, hace lo propio con los retratos de los 26 fusilados en la llamada Caravana de la Muerte, en Chile, el 19 de octubre de 1973.

Para Elián Chali (Córdoba, 1988) la obra no es un fin en sí, sino una acción visible dentro de un espacio determinado, el cual abre una posibilidad de hablar y escuchar. Trabaja a partir de una investigación intuitiva sobre aspectos sociales y culturales, utilizando la mayor cantidad de herramientas y dispositivos posibles al servicio del desarrollo de una idea para luego realizar una síntesis morfológica. El objetivo es establecer un diálogo con el entorno, entendiendo el arte como una metodología aplicada a todos los aspectos de la vida. Desde el punto de vista del trabajo de Chali, el arte puede estar en todas las cosas. En esta ocasión, intervino una de las esquinas de la sala con un díptico de pintura.

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Elián Chali, Sin título, 2019, díptico.
Ph: Ignacio Iasparra.

Paula, de Majo Arrigoni (Córdoba, 1982) pertenece a “El amor era otra cosa”, una serie de retratos de mujeres, pinturas que ponen en cuestión el retrato como género y el género como identidad. Se trata de primeros planos que observan e interpelan, frontalmente, en el contexto de un cambio social radical que busca visibilizar lo femenino. Aquí la mujer-pintora ocupa en el arte un lugar del que fue desplazada históricamente mientras la mujer es retratada, ya no como un objeto idealizado por la mirada ajena, sino como mujeres, en plural, pensadas desde la perspectiva de su propio género.

Contenido producido por arteBA. Memoria anual de arte argentino contemporáneo.

ALFREDO FRÍAS – EL RELOJ

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El reloj
Alfredo Frías
Constitución
22.06.19 | 20.07.19

Con El reloj, de Alfredo Frías (Buenos Aires, 1984), Constitución abrió la segunda muestra en su nuevo espacio del barrio de La Boca. Curada por Martín Fernández y Alberto Antonio Romero, directores de la galería, la amplia sala de estilo francés permanecía vacía, excepto por tres pinturas de gran formato, de factura reciente, y un díptico en acuarela sobre pared.

Frías, tucumano por adopción, …declara en el sitio Bola de Nieve, a propósito de Chango cañero, dedicarse a “mirar mis cercanías geográficas, folclóricas y demás para hablar no sólo de cuestiones puramente intimistas, sino para tomar conciencia de mi tiempo y lugar”. Sin embargo, ese momento y esa localización se vuelven relativas y otras, cuando esa tradición pictórica norteña se mezcla, por ejemplo, con la cultura pop de la foto de moda y Tucumán se convierte en Tucson City. Como texto curatorial, El reloj va acompañada de una versión del poema Wenn Aus der Ferne… (“Si desde lejos…”), de Friedrich Hölderlin, traducido especialmente para la ocasión por Antonella Saldicco. En este texto también se confunden y superponen la cercanía y la lejanía o el tiempo anterior y el actual cuando traduce, apelando al voseo: “todavía me reconocés, el pasado”.

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Alfredo Frías, El reloj, 2019, vista de exhibición en Constitución.
Ph: Flor Lista

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Alfredo Frías, Le temps detruit tout, óleo sobre tela.
Ph: Flor Lista

En un contexto como el actual de superpoblación de imágenes accesibles a través de la web, Frías produce su mundo visual al combinar en sus pinturas escenas que se apropia de películas, obras de otrxs artistas y antiguas ruinas. En Yo sabía que se rompía, el piso entramado y partido está tomado de las ruinas de Pompeya. Más atrás, sobre la misma tela, se puede reconocer El jarrón de Hércules en el momento de caerse. A la derecha, aparece el borde de un cortinado espeso, tema recurrente en Frías. Dos serpientes, pintadas directamente en acuarela sobre la pared representan un dios que cuidaba la vida doméstica en ruinas descubiertas en 2018, también en Pompeya. En la versión de Frías, se enrollan a derecha e izquierda de una chimenea donde la leña permanece apagada. Casi transparentes, parecen las huellas de antiguos relieves arrancados de las paredes. Sobre la pared de enfrente, The Joker representa el Florero con hojas (1976) del artista argentino Pablo Suárez, en que se ve un jarrón sobre una mesa. En la pintura de Frías, el cuadro está colgado por encima de una “verdadera” maceta suspendida con una planta prendida fuego, cuyos contornos coinciden con los de La fuente (1917), el mingitorio de Marcel Duchamp. Frías organiza esta superposición de Suárez y Duchamp a partir de un centro lumínico que parte de la planta encendida. Por último, un comedor en penumbras en distintos tonos de gris con grandes candelabros en los cuales aún están ardiendo las velas, aparece en el centro de Le temps detruit tout (“El tiempo destruye todo”). El artista se basó en la escena de la destrucción de la casa en Viridiana (1961) de Luis Buñuel y agregó sobre la mesa siete conejos blancos entre los platos rotos que parecen haber devorado los restos del banquete de los mendigos. La luz sobre ellos difiere de la de la escena de la película, provocando una dislocación en la unidad lumínica del cuadro. En los candelabros, mientras tanto, las velas todavía no se apagan y las cortinas caen pesadas sobre las ventanas. El reloj, título tomado del clásico bolero del Trío Los Panchos, y evoca mentalmente los versos que reclaman “Detén el tiempo en tus manos / Haz esta noche perpetua / Para que nunca se vaya de mí…”.

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Alfredo Frías, The joker, óleo sobre tela.
Ph: Flor Lista.

Contenido producido por arteBA. Memoria anual de arte argentino contemporáneo.

LEANDRO ERLICH – LIMINAL – PRÓXIMAMENTE

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Liminal – Próximamente
Leandro Erlich
Malba – Ruth Benzacar
05.07.19 | 27.10.19 – 26.06.19 | 20.07.19

Leandro Erlich (Buenos Aires, 1973) inauguró Liminal, su primera exposición antológica en la Argentina. La muestra reúne una selección de 21 instalaciones realizadas entre 1996 y 2019, e incluye obras de gran formato: La vista (1997), Vecinos (1996), La vereda (2007), Las nubes (2018), El avión (2011), Puerto de memorias (2014), Vuelo nocturno (2015), Hair Salon (2017), El aula (2017) y Window and Ladder, así como La pileta (1999), que representó a nuestro país en la Bienal de Venecia en 2001, fue luego instalada de manera permanente en el 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa, y constituye una de las obras internacionalmente más reconocidas del artista. Erlich produjo también para esta ocasión una serie de obras en coproducción con Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), entre ellas un proyecto site-specific para su explanada, Invisible Billboard, que demandó, según informa el museo, más de un año de trabajo y un equipo de 150 personas.

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Leandro Erlich, La pileta, 1999, vista de instalación en Malba.
Ph: Pablo Jantus

El 20 de septiembre de 2015, el Obelisco porteño amaneció sin su punta. Se trataba de La democracia del símbolo: Erlich simuló el traslado de la cima del monumento a esa misma explanada para transformarla en un espacio transitable y accesible al público. “Erlich ha creado un cuerpo de esculturas y grandes instalaciones en el que la apariencia arquitectónica de lo cotidiano funciona como una especie de trampa perceptiva: conduce al espectador desprevenido a una paradoja visual que desafía los presupuestos del orden y las reglas del mundo material”, explica el curador de Liminal, Dan Cameron. “En el universo paralelo de Erlich, las escaleras no llevan a ninguna parte, los ascensores no paran en destino, los espectadores pasivos se convierten en participantes activos, las nubes adquieren nuevas características físicas y la solidez de los espacios edificados resulta ser una fugaz ilusión óptica”. El curador subraya el “impacto acumulado” de experimentar varias obras de Erlich en una sola exposición, situación que intensifica la conciencia “de una dualidad inherente a lo real, y hace que nos preguntemos en qué circunstancias podríamos afirmar con seguridad que estamos efectivamente aquí o allá”, extremando la sensación liminal de quienes transitan la muestra. El título alude a la ambigüedad o desorientación que sucede en la etapa intermedia durante los rituales de pasaje −cuando los participantes ya no mantienen su estado pre-ritual pero aún no han comenzado la transición al estado que tendrán cuando el ritual esté completo−. Un ejemplo de “liminalidad” es la adolescencia, en cuanto no se trata de la niñez ni de la etapa adulta.

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Leandro Erlich, Invisible Billboard, 2019, vista de instalación en Malba (explanada).
Ph: Pablo Jantus.

Dos semanas antes de la apertura de esta muestra, Erlich inauguró en la galería Ruth Benzacar un proyecto que considera más personal, vinculado a su adolescencia cinéfila y al cine clásico en la era del VHS, que coincide con sus inicios como pintor. Próximamente refiere al anuncio que suele anticipar la proyección de una película, pero apela además a la cercanía de algo aún no cumplido, latente o próximo, es decir, un presente intermedio. Convertida en la puerta y el hall de entrada de un cine, la sala reunió un grupo de pinturas-afiches basadas en fotografías de las propias instalaciones de Erlich. Sin embargo, según el artista, “Los títulos de las películas (ficticias) no están asociados al concepto original de dichas obras […]. Estas pinturas al óleo son de hecho más bien retratos del proceso creativo en sí: el acto de elaborar algo nuevo, de contar una historia diferente, de pintar una cosa encima de otra”.

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Leandro Erlich, Próximamente, 2019 , vista de instalación en galería Ruth Benzacar.
Ph: Ignacio Iasparra.

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Leandro Erlich, Próximamente, 2019 , vista de instalación en galería Ruth Benzacar.
Ph: Ignacio Iasparra.

Contenido producido por arteBA. Memoria anual de arte argentino contemporáneo.

Joaquín Aras, ganador de la Residencia de Gasworks, en la 5ta edición de la alianza Con URRA

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El programa de intercambio Gasworks + URRA 2019/2020 se realiza gracias al apoyo de Erica Roberts y en alianza con arteBA Fundación para que artistas argentinos y británicos tengan la experiencia de participar en una residencia de arte en Londres y Buenos Aires respectivamente.